传统国画没有“写生和素描”等等西方绘画基础训练，但是大部分国画也是打草稿的。
写生和素描，透视等等这些词汇来自西方绘画，近代山水画出现个词“散点透视"这个透视不是真正意义的透视。
我们现在很多词直接是西方来的，或者是日本学习西方再转到中国来的。
西方绘画的基础是几何，而我们中华文明除了造房子宫殿墓室，和几何相关的基本上不发展，整个地球上透视原理只有西方文明归纳总结出来，其他文明都没有。
说了那么多前提，现在开始说国画，传统中国画。
传统中国画，有两种分类方法。
一、山水、花鸟、人物。
二、工笔、写意，兼工带写。
比如著名画家，齐白石的大写意，基本上不用打稿。
如果是工笔画，那一定要打稿，不管是工笔花鸟，工笔人物都一定有稿。但是没有透视，我们称为”白描“。
先画右边白描稿，这些不是写生和素描，也没有透视，很多画法都是师傅带徒弟口耳相传。
说过花鸟，再来说一说山水画。工笔山水画，是需要打稿的，并且会用到尺子，宋朝时期这种画就有宫廷考试，直到清朝都是宫廷画师考试项目。
上图清宫廷画师丁观鹏，仿制明仇英《汉宫春晓图》部分，这种画需要打稿，会用到尺子，人物和建筑的比例，建筑人物都没有透视，有部分的纪实效果，但是不真实。
上面的工笔山水，那么写意山水需不需要打稿，当然也是需要的。这可不是我说的，清朝著名山水画家石涛，有这么一幅画作《搜尽奇峰打草稿》，
上图又名《搜尽奇峰图》卷，清石涛作，纸本，墨笔，纵42.8cm，横285.5cm，藏于北京故宫。石涛把自己看到的山水，用自己的方式画下来，不完全真实的也不完全是虚幻的。
事实上不管是石涛还是其他山水画家，绝大多数都是有稿的，我们国画的写意山水画中所有的都不是写实的。
国画按照西方绘画的写生素描透视原理这一条流程下来，画出来的还是国画吗？
一人有感
我们现在的国画教学好不好，当然不好，西方绘画成了我们国画的基础。甚至想要学习国画，必须通过西方绘画考试。
学习西方绘画的基础并不是对国画完全没有帮助，但是国画还是以中华传统文化为主。
以我仅有的知识，尽可能地客观求真。
能力有限，也有一定的取舍。如有补充，欢迎大家一起讨论，一起进步。
一是要有所准备，不打无准备之仗
写生是中国画的一个重要组成部分，写生之前，要对中国画的基本知识有所了解。
主要有各种山石的皴法、各种树木的表现手法、云水画法、点景的运用，等等。
在写生前把案头工作作扎实了。
外出写生，才会有对比。
为什么古人这样去提炼，通过野外实景与古人提炼的画法进行比对，
才会在写生中领悟古人的智慧和高度的概括能力。
切忌把写生当旅游。草草去匆匆回。
只顾热闹，不求真知。
写生的地点，也非常关键。
不是随便选一个地方就可以了，要有代表性。
宋代郭熙对此早已有精辟论述：“嵩山多好溪，华山多好峰，衡山多好别岫，常山多好列岫，泰山特好主峰。天台、武夷、庐霍、雁荡、岷峨、巫峡、天坛、王屋、林虑、武当皆天下名山巨镇，天地宝藏所出，仙圣窟宅所隐，奇绝神秀，莫可穷其要妙。欲夺其造化，则莫神于好，莫精于勤，莫大于饱游饫看，历历罗列于胸中。”
因此，事前准备非常重要。当然，还有画材准备、饮食住宿准备等。
要计划在前，才能收获满满。
二是要有所取舍，不胡子眉毛一把抓
到了写生地点，呈现的是一个完整的生态环境。
山连绵不断，水四季常流，树木繁茂昌盛，人家四处可见。
针对这样的自然景观，如何下笔？
最为关键的是要有取舍。
先不要急着动笔，要有七分琢磨三分动笔的意识。
要充分认识到，中国画的写意性。
中国画的写生不是写实技法的锻炼。
因此，要对眼前的自然景象进行取舍。
把山石、云水、树木、点景这些元素，进行理解消化，然后进行取舍。
这种取舍是围绕着整幅作品的主题进行的。
能凸显主题的大胆的留，与主题关系不大的果断的舍。
不能什么都想画进来，结果是出力不讨好。乱。
把主要的精力和笔墨用在该用的地方，自然会画好写生。
三是要写以致用，不搞两张皮
写生是创作的基础。
外出写生，最终的目标是为了创作服务的。
所以，写生过程中积累下来的经验。
或者是收获体会，最终要运用到实践当中去。
这个实践，就是创作的实践。
切不可，写生画的让人耳目一新。
创作起来，捉衣见襟。
很多画家会出现这样的情况，写生是写生，创作是创作。
两者全然不搭界、两张皮。
这就需要我们通过大量的写生，锻炼构图、笔墨等能力。
然后通过从小品开始，进行创作练习。
以点到面，提升两者的融合度。
创作出精品佳作。
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